La collaboration de la Royal Shakespeare Company avec le géant de la technologie Intel a dominé une grande partie de l’attention entourant cette nouvelle production de La tempête. A tel point que les deux sociétés sont mises sur un pied d’égalité dans le programme, aux côtés de la société de capture de performances Imaginarium Studios. Pourtant, malgré toute la magie numérique gonflée présentée, ce sont les moments humains de déflation, d’épuisement et de pardon qui résonnent vraiment.
La contribution technologique tourne principalement autour d’Ariel de Mark Quartley, un esprit qui voltige entre les formes pour guider, tromper et parfois terrifier les naufragés de l’île. A l’aide de motion capture en temps réel et d’avatars projetés sur des tubes enfumés descendus des chevrons, ces transformations sont interprétées littéralement. On nous dit que Prospero a trouvé Ariel piégé dans un pin fendu, par exemple, et voilà qu’un avatar en forme d’arbre est écrit en gros au-dessus de la tête des acteurs.
Il y a une justification claire à cette approche du personnage, décrit tel qu’il est à travers le texte de Shakespeare comme un être éthéré qui change de forme. En effet, l’utilisation de la technologie numérique correspond au thème général de l’illusion de la pièce et à la fausseté de ces illusions. Mais au lieu de se pencher sur ces idées très puissantes de la technologie – mettant en avant le numérique comme un thème qui sonne juste avec le discours de Prospero sur le « tissu sans fondement » – ces nouvelles techniques sont présentées comme un peu plus que des outils pour le spectacle.
La SRC replace cette approche dans le contexte de Stuart masques. Il s’agissait d’extravagances somptueuses, issues des divertissements de cour du roi Jacques Ier, qui utilisaient un éclairage expérimental (bougie), des appareils mécaniques et des costumes élaborés pour offrir des spectacles « illusionnistes ». La capture de mouvement en temps réel et les avatars numériques flottants sont ici présentés comme des successeurs, et l’accent est donc mis sur la création d’une opulente pièce de magie théâtrale. Vous n’êtes pas censé voir les cordes, pour ainsi dire.
C’est bien, en théorie. Mais ce n’est pas tout à fait réussi, pour une raison simple : le public moderne est beaucoup plus habitué à la technologie numérique et a beaucoup plus d’expérience avec le toucher, le contrôle et la manipulation des visuels numériques qu’un public Stuart n’en aurait avec les outils utilisés pour créer les effets d’un masque. En théorie, une projection énorme, fougueuse et en temps réel d’un acteur devrait nous faire tomber dans les chaussettes; en réalité, il puise dans notre grammaire déjà débordante de CGI, d’interfaces informatiques, de jeux vidéo, et il tombe finalement un peu court.
L’utilisation la plus efficace et la plus intelligente de la technologie numérique dans la pièce est centrée sur la scène du masque, où Prospero évoque une somptueuse pièce de théâtre dans une pièce pour ravir sa fille et son futur gendre. La scène elle-même est un lavage criard de champs et de fleurs. Il a peut-être été conçu pour être spectaculaire, mais il apparaît comme excessif et gauche – comme un économiseur d’écran particulièrement ostentatoire – avec des déesses chantant l’opéra et des lutins charmants et pastoraux.
Se réprimandant pour avoir perdu du temps avec un tel « concours sans substance », la scène devient un vide.
Le retournement, alors, lorsque Prospero débranche la prise, est un puissant coup de poing. Se réprimandant pour avoir perdu du temps avec un tel « spectacle sans substance », la scène devient un vide, les lumières éteintes, les acteurs tous figés. On nous montre, ne serait-ce qu’un instant, l’écran d’ordinateur vide, et on se retrouve avec le chagrin et les reproches de Prospero.
Bien que cette critique soit orientée vers l’utilisation de la technologie par la pièce, parler de ces choses séparément de la performance magistrale de Simon Russell Beale manque une tension cruciale. Plus scientifique que magicien, le physique discret de Beale est couplé à une anxiété intérieure imprévisible. Lorsqu’il ne tient pas son bâton, il fourre ses mains dans ses poches, pointu et mal à l’aise avec sa propre fille, comme il l’est avec sa position morale dans les dernières étapes de la pièce. Pourtant, il semble éloigné de ses propres pouvoirs – incarnés par le spectacle high-tech – comme s’il n’était pas convaincu par les projections illusoires qui semblent captiver les autres personnages.
À bien des égards, j’aurais souhaité que la RSC aille plus loin dans cette direction, mettant en avant la fausseté abjecte et abjecte des avatars numériques, au lieu de les traiter comme des fantasmes convaincants. Le décor de Stephen Brimson Lewis, construit à partir d’une coque de navire en décomposition, est brillamment évocateur, mais il aurait été intéressant de voir un tel choc de conception tangible contre quelque chose d’explicitement contemporain et basé sur l’écran. En fin de compte, cependant, il s’agit d’une production différente – une production qui veut considérer la technologie comme un thème plutôt que comme un outil. Ce que j’ai retenu de cette production de La tempête n’est pas l’illusion, mais ce qui reste quand l’illusion est éteinte, et que vous vous retrouvez face aux corps qui vous ont trahi, devant choisir entre vengeance ou pardon.
